Felix José Hernández

Madrid, 11 de diciembre de 2017.

Querida Ofelia:

El Museo de América presentó el 30 de noviembre la exposición temporal Al encuentro del Gran Espíritu. El Congreso Indio de 1898, organizada en colaboración con el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles.

A través de una cuidada selección de obras, la nueva muestra del Museo de América nos acerca a la forma de vida cotidiana y ceremonial de las comunidades nativas de América del Norte que habitaron las regiones de Bosques Orientales, Grandes Llanuras y Suroeste.

Un momento clave en la vida de estas comunidades se produce en 1898, año en que quinientos indígenas, procedentes de más de una treintena de tribus de Norteamérica, se reunieron en lo que se denominó Congreso Indio. En ese momento, se seleccionaron representantes de distintas tribus para, entre otros objetivos, escenificar el dominio de la sociedad civilizada sobre las salvajes tierras del oeste americano.

Algunas de las fotografías tomadas durante este Congreso Indio, pertenecientes al Museo J. Paul Getty de Los Ángeles y realizadas por los fotógrafos Frank Rinehart y Adolph Muhr, se muestran por primera vez en España, destacando entre ellas un espléndido conjunto de retratos de jefes de distintas tribus.

También se exhiben imágenes, tomadas por Edward Curtis, que ilustran la forma de vida de estas poblaciones en los espacios que habitaban a comienzos del siglo XX.

Estas representaciones ayudan a contextualizar algunas de las obras más destacadas de la colección etnográfica del Museo de América, procedentes fundamentalmente de Grandes Llanuras y Suroeste de América del Norte.

También se presentan otros bienes prestados para la exposición por instituciones públicas, como el Museo Nacional de Antropología de Madrid, o por coleccionistas privados, como el gran tocado de plumas sioux de Ana y Bertrand de Montauzon.

En torno a la exposición se realizarán diferentes actividades para todo tipo de público:

Escuela de Navidad - Para niños de 5 a 11 años - 26 de diciembre de 2017 a 5 de enero de 2018 .

Visitas guiadas con la comisaria - 12 y 14 de diciembre / 18 y 25 de enero / 8 y 22 de febrero - 17:00h - Previa inscripción en difusion.america@mecd.es

Visitas para grupos familiares - 13 y 14 de enero / 10 y 11 de febrero / 24 y 25 de febrero - 11:30h - Previa inscripción en findesemana.america@gmail.com

Club de Lectura Amoxtli sobre el libro “Pequeño gran hombre” – Sábado 24 de febrero - 11:00 h - Consulta Más información

Al encuentro del Gran Espíritu. El Congreso Indio de 1898. 30 de noviembre de 2017 a 4 de marzo de 2018.

Horario extraordinario de visita: 12, 13, 14 y 15 de diciembre hasta las 19:00 horas.

Organización : Museo de América. Subdirección General de Museos Estatales; Dirección General de Bellas Artes y Patrimonio Cultural; Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Colabora: The J. Paul Getty Museum (Los Angeles). Comisaria :Beatriz Robledo. Coordinadoras : Carolina Notario y Ana Azor. Conservación : Mar Sanz, Camino Barahona y Rocío Bruquetas. Difusión : Ainhoa de Luque y Ana Pérez. Restauración : Mercedes Amézaga S.L. Diseño gráfico: Nacho Reina y Ángel Espinosa. Producción técnica y montaje : Boomerang Graphics, Cillero & De Motta, SIT Expedición de Arte y Seguridad,  HT Exposiciones y Museos. Prestadores : The J. Paul Getty Museum (Los Angeles), Museo Nacional de Antropología (Madrid). Colecciones privadas: Ana y Bertrand de Montauzon, Jose Ramón Iglesias, Gonzalo Trancho, Jorge Hernández, Miguel Notario, Juan Antonio Aspano, Alberto González y María González. Agradecimientos : ADAMA (Asociación de Amigos del Museo de América), Kim Richter, Mazie M. Harris, Andrés Gutiérrez, Ana Zabía, Joaquín Otero, Javier Utrilla, Jairo Santamaría, Pablo Serrano, Mehdi en Nebigui, Itziar Anchuela, Raquel Domingo, Sonia Griñán. A todo el personal técnico y de sala del Museo de América.

Con gran cariño desde nuestra culta y querida Madrid,

Félix José Hernández.

 

Paris le 10 décembre 2017.

Un beau livre à propos de l’âge d’or de la vie nocturne, raconté par l’auteur qui a pleinement profité de La Dolce Vita. Les savoureuses confidences rapportées par  le chroniqueur de cinquante ans de vie mondaine. Le Saint-Germain-des-Prés des années cinquante, le Las Vegas de l’an 2000, les nuits rouges de Moscou et les boîtes folles de New York. Un âge d’or que ressuscite la mémoire de cet auteur privilégié, et qu’illustrent de nombreuses photos exclusives.

Cinquante ans de vie mondaine à travers une galerie de portraits de célébrités internationales et françaises, par celui que Frédéric Beigbeder surnomme «  la mémoire vivante de Saint-Germain-des-Prés », Jean-Pierre de Lucovich. Figure des nuits parisiennes, il en fut également le chroniqueur de référence, notamment pour Paris Match et Vogue. En sa compagnie, passez la Porte de chez Castel, du Pont Royal, du Plaza Athénée et du Ritz, et croisez Orson Welles, Serge Gainsbourg, Françoise Dorléac Yves Saint Laurent, Dennis Hopper, Marcello Mastroianni, Woody Allen, Brigitte Bardot, Jean-Paul Belmondo, Françoise Sagan, Andy Warhol... De l'ambiance feutrée des salons à la frénésie tapageuse des boîtes de nuit, c'est tout un âge d'or que font revivre les souvenirs de ce dandy, illustrés de très nombreuses photographies.

« Un peu de jet-set, une pincée de princes et de play-boys, des jolies femmes, toute une époque. » Le Figaro

Journaliste chez Paris Match et Vogue Hommes, chroniqueur mondain, rédacteur en chef du magazine Photo, Jean-Pierre de Lucovich a été — cinquante ans durant. — un infiltré dans le beau monde. En 2011, il a publié chez Plon son premier roman, Occupe-toi d’Arletty !, pour lequel il a reçu le Prix Arsène Lupin.

People Bazaar,  souvenirs d'un infiltré dans le beau monde. 1950-2000. Jean-Pierre de Lucovich. © Éditions Séguier, Paris, 2016. Couverture : Madison Cox, Loulou de la Falaise, Thadée Klossowski et Philip Niarchos au cours d’une soirée parisienne. © Coll. Privée / DR. 15 x 21 cm.  592 pages. 22.00 € . ISBN: 978-2-84049-716-5

Créés dans les années 1980, les Éditions Séguier sont dédiées aux arts, tous les arts. La priorité est accordée aux personnages réputés secondaires mais dont l’influence - et parfois l’œuvre-ont été durablement sous-estimées. Il en résulte des essais, entretiens et biographies, regroupés dans un catalogue ouvert à un public soucieux de parfaire ses connaissances et de polir ses goûts.

Publié par Félix José Hernández.

 

León, 9 de diciembre de 2017.

Querida Ofelia:

A finales de los años 70 y principios de los 80 explota el llamado Revival Mod en Inglaterra con grupos musicales como The Jam a la cabeza, rescatando este movimiento surgido en los primeros 60 pero con el tamiz de aquella época. Es, en este momento, cuando aparecen publicaciones independientes que reflejan esta cultura caracterizada por su fuerte individualismo y orgullosa de ser underground como un complemento indispensable y vehículo transmisor de conocimiento.

Adquirieron forma de fanzine (varios folios fotocopiados unidos por una o dos grapas), de hojas informativas (normalmente un folio doblado por la mitad) o de revistas con apariencia algo más profesional pero también autoeditadas. En muchas ocasiones fueron acompañadas de casettes, discos, cds, chapas u otros objetos diseñados y a veces manufacturados por los mismos editores. Eran el método perfecto para mantener un contacto con los lectores (fans, al igual que el editor, de una música, estética y forma de vida concretas) y, a su vez, una forma de encontrar nuevos amigos. Con la aparición de internet muchas desaparecieron, pero otras siguen adelante. Algunas incluso nacieron cuando el uso de la red estaba ya plenamente consolidado y combinan el formato físico con el digital, siendo una gran fuente de información y transmisión de conocimientos, empleando también con este fin las redes sociales.

No se puede entender la cultura contemporánea sin los movimientos underground, y uno de los más importantes que se ha desarrollado tanto en León como a nivel internacional ha sido el movimiento Mod y la cultura sixties. Como un fiel reflejo y resultado de este movimiento están estas publicaciones independientes a través de las que podemos observar cambios estéticos, culturales, nuevas influencias o diferentes formas de pensamiento.

Hace tiempo que la contradicción o paradoja de que objetos resultado de la contracultura se alojen en el marco de la cultura oficial ha quedado superada, pues los museos de arte contemporáneo -como el MUSAC- son organismos vivos y como tales acaban por absorber, analizar y divulgar todas estas manifestaciones culturales, defendiéndolas como lo que en definitiva son: formas de expresión.

Tinta, papel y grapa: acción, redacción y creación. es un proyecto en proceso que conecta con el objetivo del MUSAC de visibilizar la importancia de las fuentes documentales como elementos esenciales para la investigación del arte y la cultura contemporáneos.

El proyecto consta de dos partes. La primera consiste en realizar un análisis, estudio, recopilación y catalogación de una serie de materiales que pasarán a formar parte de las ediciones especiales del Centro de Documentación.

Con motivo de la puesta en marcha de un acervo de ediciones especiales en el MUSAC se creó una nueva web del Centro de Documentación (www.musac.es/centrodocumentacion) que alberga todo este fondo especial constituido por libros de artistas, archivos, etcétera. En esta web se abrirá un nuevo "proyecto" donde figurarán las actividades relacionadas y un acceso a la selección del material. Las fichas contendrán los mismos campos analíticos y descriptivos que el resto de las ediciones especiales, con la particularidad de incluir la categoría: "fanzine mod" o "fanzine sixties". Este material también podrá "viajar" en la Fanzinoteca del MUSAC cuando sea pedida en préstamo temporal. Con ello se pretende contribuir al estudio de esta temática a nivel mundial.

La segunda parte es una exposición de algunos ejemplares de estas publicaciones llamadas fanzines o zines en la que podrá observarse su evolución estética e iconográfica desde los años 80 hasta la actualidad.

En especial se mostrará parte de una de las publicaciones más longevas y especiales, Ecos de Sociedad, editada por Javier Morales desde Tenerife. En concreto se expondrá un número realizado expresamente con motivo del festival Purple Weekend. Totalmente personalizado, existe únicamente una copia de cada número, lo que implica que del editor pasa directamente al lector, a quien se lo dedica expresamente. Morales emplea escritura manual, dibujos, recortes, collages... dejando en ocasiones partes en blanco para que el lector anote o dibuje, abriendo una puerta a la interactividad y fomentando la imaginación. Este número especial tras ser expuesto pasará a formar parte del centro de documentación.

Tras la clausura de la exposición se realizará, como publicación especial del MUSAC, una hoja informativa (una sencilla fotocopia en blanco y negro) recabando información y fotos resultado de las actividades desarrolladas en este proyecto. El trabajo en torno a estas publicaciones generará otra de ellas, cerrándose así un círculo en el que la difusión se alía con la producción.

Exposición Tinta, papel y grapa: acción, redacción y creación. Comisariada por Eva López Campesino. Coordinación: Araceli Corbo. 6 de diciembre, 2017 - 14 de enero, 2018: Sala Anexa. Con la colaboración de: Maxi García, Encarnación Campesino, Sandra Casariello, Patricia Macho.

Con un abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández. 

 

Madrid, 11 de diciembre de 2017.

Querida Ofelia:

El Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando expone en sus salas otra pintura de Goya, el Retrato del poeta Moratín, cedido en intercambio temporal por el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Durante tres meses convivirán en la Academia los dos retratos pintados por Goya de Leandro Fernández de Moratín, realizados en 1799 y 1824, respectivamente.

Desde el 7 de noviembre de 2017 al 5 de febrero de 2018 se exhibe en las salas de Goya del Museo de la Academia una pintura invitada del maestro aragonés: el Retrato de Moratín que conserva el Museo de Bellas Artes de Bilbao, fechado en 1824. Esta presencia incrementa la importantísima colección de retratos de Goya del Museo de la Academia. La cesión temporal ha sido posible gracias al acuerdo de colaboración suscrito entre la Corporación madrileña y el Museo bilbaíno, que recibe a cambio durante el mismo periodo otra obra maestra excepcional: La Primavera de Giuseppe Arcimboldo, de 1563.

En 1824 Goya pintó a su amigo el poeta y dramaturgo Leandro Fernández de Moratín (1760-1828), de quien ya había realizado en 1799 el magistral retrato propiedad de la Academia. Reencontrados ambos en el exilio de Burdeos, el escritor alude en una carta fechada en septiembre de ese mismo año al deseo expresado por Goya de pintar su retrato: “Quiere retratarme y de ahí inferirás lo bonito que soy, cuando tan diestros pinceles aspiran a multiplicar mis copias”. El retrato destaca por su sobriedad y es uno de los primeros y más representativos del pintor en Burdeos. Muestra al escritor sentado a una mesa y apoyado sobre unos papeles, en los que Goya pone su firma invertida. La actitud meditabunda y la postura de la mano, que parece sujetar una pluma que, como revela su radiografía, fue luego ocultada, parecen mostrarlo en plena actividad creativa. La vestimenta y el fondo verdoso han sido conseguidos con pincelada amplia y suelta, mientras que el rostro está tratado con esmero mediante cuidadosos toques de pincel. Es éste un retrato intimista e intenso, pintado con cariño, en el que Goya consigue atrapar el carácter de su amigo, retraído y melancólico.

Leandro Fernández de Moratín nació en Madrid en 1760, hijo de noble familia asturiana. Su padre fue el poeta, dramaturgo y abogado Nicolás Fernández de Moratín. Vivió en un ambiente de frecuentes discusiones literarias. Leandro fue un hombre de teatro en el sentido amplio de la palabra. A su condición de autor teatral hay que añadir otros aspectos menos conocidos, pero importantes. Fue uno de los fundadores de la historiografía teatral española, así como un activo impulsor de la reforma teatral de su tiempo. Relacionado con los círculos del poder que estaban interesados en esta reforma y heredero de las ideas de su padre, no dejó de promover la renovación de la estructura teatral vigente en la España de su época.

El Retrato de Moratín del Museo de Bellas Artes de Bilbao se muestra en la misma sala donde está expuesta la efigie de Moratín de la Academia, de 1799. Obra maestra del género del retrato, el cuadro de la Academia es fruto de la amistad y coincidencia de pensamiento liberal entre Moratín y Goya. Moratín valoró desde el primer momento la calidad del lienzo, que agradecería dedicando una silva a su amigo: “Tú me los cumples, y en la edad futura, / al mirar de tu mano los primores / y en ellos mi semblante / voz sonará que al cielo te levante / con debidos honores, / venciendo de los años el desvío / y asociando a tu gloria el nombre mío”. De medio cuerpo, girado ligeramente hacia su derecha, resalta la intensa mirada del dramaturgo. La figura está modelada con gran libertad, con pincelada suelta y un fuerte golpe de luz dorada que incide sobre el rostro.

Goya estuvo estrechamente vinculado durante su larga vida a la Real Academia, de la que fue miembro desde 1780 y llegó a ocupar el cargo de Teniente de Pintura y más tarde el de Director de Pintura y Director Honorario de la Academia. La Corporación conserva un excepcional conjunto de pinturas muy representativo de las distintas etapas del maestro. Las trece pinturas de Goya en el Museo de la Academia quedan encuadradas entre dos de sus autorretratos: el del artista joven ante el caballete, y el de busto, con el pintor próximo a cumplir los setenta años.

Su relación personal con miembros ilustres de la cultura de su tiempo quedó plasmada en numerosos retratos, género en el que Goya fue profundamente innovador. La Academia conserva excelentes retratos de tres figuras destacadas y amigos personales del maestro: Leandro Fernández de Moratín, Juan de Villanueva y José Munárriz. A ellos se une el de la gran actriz La Tirana, que refleja el amor del maestro por el teatro. De signo diferente es el retrato ecuestre de Fernando VII, encargo oficial de la Academia, así como el del favorito Manuel Godoy en el apogeo de su poder.

Especialmente significativo es el conjunto de las cinco tablas de pequeño formato: El entierro de la sardina, Procesión de disciplinantes, Corrida de toros, La casa de locos y El Tribunal de la Inquisición. Son obras consideradas como "cuadros de gabinete" en los que Goya deja libre curso, en sus propias palabras, "al capricho y la invención".

Además de la rica colección de pinturas de Goya, la Academia custodia en su Archivo-Biblioteca un importante conjunto de cartas y documentos manuscritos del artista. Por otra parte, el principal tesoro conservado en la Calcografía Nacional son las planchas de cobre grabadas al aguafuerte por Goya (Caprichos, Desastres de la guerra, Tauromaquia y Disparates), obras cumbres de la historia universal del grabado.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

 

Amie Siegel Invierno (Winter), 2013. Película de 16 mm transferida a vídeo HD, 33 min., color, sonido, performance y objetos Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York. Adquirida con fondos aportados por el Young Collectors Council, 2015

 

Bilbao, 9 de diciembre de 2017.

 

Querida Ofelia:

 

Del 23 de noviembre al 11 de marzo de 2018, el Museo Guggenheim Bilbao presenta por primera vez en Europa la obra de Amie Siegel Invierno (Winter, 2013). Este trabajo, perteneciente a la colección del Solomon R. Guggenheim Museum cierra la programación de 2017 de la sala Film & Video, una iniciativa del Museo Guggenheim Bilbao para albergar obras claves del videoarte, la videoinstalación y la imagen en movimiento como medio artístico.

 

En relación a los elementos esenciales de la cinematografía y el papel del tiempo en la producción, tal y como se aborda en su obra Invierno, la artista ha comentado: “Invierno es un filme de tiempos múltiples; filmado en un pasado reciente que muestra un futuro desconocido, que se desvela y cambia en el presente de la exposición, representa distintas condiciones temporales y culturales de inestabilidad y de incertidumbre, y aborda cuestiones como el calentamiento global y los accidentes nucleares, trastocando la naturaleza fija del cine y de la imagen fotográfica.”

 

Amie Siegel (Chicago, 1974) concibió Invierno como una obra abierta, que cambia cada vez que se expone; filmada originariamente en 2013 en Nueva Zelanda, la película alterna proyecciones con sonido grabado y actuaciones en directo lo que permite a los visitantes experimentar la sala de exposición como un espacio activo de producción y creación. Invierno, encargada a la artista por la Trienal de Auckland (Nueva Zelanda) en 2013, se expone por primera vez en Europa en la sala Film & Video del Museo Guggenheim Bilbao.

 

En cada presentación de Invierno, Amie Siegel trabaja con artistas locales: músicos, actores o creadores de efectos, indagando así acerca de la relación de la obra con su ubicación temporal y resituando la proyección en un espacio de producción itinerante. De este modo, cada reproducción del filme es reinterpretada mediante una banda sonora que se produce en directo y se halla en permanente cambio, en la que la voz en off, los efectos de sonido y la música configuran una partitura viva que se despliega en los treinta minutos que dura cada pase de la obra. Más que un doblaje, en esta obra se da un constante desdoblamiento que pone de relieve la fluidez de la imagen fílmica en función de los diversos guiones sonoros. Así, la atmósfera y la intensidad emocional fluctúan en cada proyección.

 

La película se rodó en las viviendas encaladas de aspecto biomorfo que diseñó el arquitecto Ian Athfield en enclaves remotos de Nueva Zelanda, y refleja la vida de una comunidad que parece el último asentamiento humano en la Tierra. Las imágenes muestran un entorno desierto y los restos de una civilización extinta lo que remite a una guerra nuclear o a una catástrofe ecológica. La arquitectura y el atrezzo resultan futuristas y obsoletos a la vez. Los pájaros también parecen jugar un papel especial en la nostalgia de los supervivientes. La obra evoca un futuro próximo donde la vida humana parece estar al borde de la extinción. El aspecto familiar de los lugares y objetos representados refuerza la ambigua sensación de extrañeza, y la banda sonora del filme surge como clave para establecer un posible sentido.

 

Amie Siegel (Chicago, 1974) trabaja en diversos medios como el cine, el vídeo, la fotografía o el sonido a través de los cuales revela múltiples estratos de significado que plasma en sus cuidadas instalaciones. Utilizando los relatos como espacios y territorios y los documentos y artefactos como testigos de la memoria y el deseo, la artista cuestiona la relación entre la película y las circunstancias de su realización. Siegel entendió desde sus inicios que el lenguaje fílmico consiste en prácticas culturalmente codificadas que repiten hasta el infinito los mismos recursos, estrategias de montaje y situaciones de visionado. Su punto de partida es que casi todas estas convenciones pueden ser modificadas y enriquecer así la experiencia del espectador.

 

Amie Siegel ha desarrollado proyectos tanto individuales como colectivos para los museos y galerías más relevantes del mundo. Entre sus exposiciones en solitario más recientes se incluyen la de la South London Gallery; el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Museo Villa Stuck de Munich; el Kunstmuseum de Stuttgart y el MAK de Viena. Además, ha participado en muestras colectivas en los siguientes museos y galerías: Witte de With de Rotterdam; Whitney Museum of American Art de Nueva York; Hayward Gallery de Londres, KW Institute for Contemporary Art de Berlin; CCA Wattis de San Francisco; MoMA PS1; MuseoMAXXI de Roma; Swis Institut de Nueva York; Haus der Kulturen der Welt de Berlin y Walker Art Center de Minneapolis. Sus obras se encuentran en colecciones públicas de museos como Whitney  Museum of American Art, Metropolitan Museum of Art, Tate Modern y Solomon R. Guggenheim Museum. Sus películas se han proyectado en los festivales de Cannes, Barlin, Toronto y en Festivales de cine de Nueva York. Ha sido becada por la DAAD de Berlin, la Fundación Guggenheim, la Fulton Fellow at The Film Study Center de la Universidad de Harvard; y ha obtenido los premios: ICA Boston’s Foster Prize, Sundance Institute y Creative Capital. Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

 

Actuaciones en directo

 

A lo largo de los cuatro meses en que se exhibe la obra, la banda sonora de la misma se interpretará 10 veces en directo. Serán los viernes: 1, 8 y 15 de diciembre; 2, 9 y 16 de febrero; y 2 y 9 de marzo.

 

Film & Video (sala 103)

 

La sala Film &Video es un espacio consagrado al videoarte, la videoinstalación y la imagen el movimiento, que alberga obras tanto de los Museos Guggenheim como de otras colecciones internacionales. La programación de esta sala dio comienzo en marzo de 2014 con la instalación de Christian Marclay El reloj (The Clock), a la que siguió en junio la del artista islandés Ragnar Kjartansson Los visitantes (The Visitors); a partir de octubre y hasta marzo de 2015 la sala presentó The Krazyhouse (Megan, Simon, Nicky, Philip, Dee), Liverpool, UK, de Rineke Dijkstra y, a partir de marzo de ese año y hasta julio se mostró la serie Las rutas del hilo (Thread Routes), a cargo de la artista conceptual Kimsooja. La siguiente pieza, Paralaje (Parallax), de Shahzia Sikander, pudo verse hasta noviembre de 2015; del 3 de diciembre hasta el 24 de abril de 2016 se mostró La nube del no saber (The Cloud of Unknowing), del artista singapurense Ho Tzu Nyen y del 12 de mayo al 28 de agosto de 2016 La Anunciación (The Annunciation –Marian Ilmestys) de la artista finlandesa Eija-Liisa Ahtila; Suspiro (Sigh) de Sam-Taylor Johnson se proyectó del 8 de septiembre al 11 de diciembre del año 2016 y Desoriente (Disorient) de Fiona Tan, del 22 de diciembre de 2016al 19 de marzo del 2017. La inquietante (Sin título) Máscara humana [(Untitled) Human Mask, 2014] del artista francés Pierre Huyghe se exhibió del 30 de marzo al 16 de julio y la última pieza en mostrarse ha sido Los invitados (The guests) de Ken Jacobs.

 

Un gran abrazo desde bella y culta Bilbao,

 

Félix José Hernández

 

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